Grandi artisti non abbastanza noti in Italia (1 Viewer)

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CHARLES MERYON (Wikipedia)

Charles Meryon (a volte Méryon, [1] 23 novembre 1821 - 13 febbraio 1868) è stato un artista francese che ha lavorato quasi interamente in acquaforte, poiché soffriva di daltonismo. Sebbene ora poco conosciuto nel mondo di lingua inglese, è generalmente riconosciuto come l'incisore più significativo della Francia del XIX secolo. Ha anche sofferto di malattie mentali, morendo in un manicomio. Le sue opere più famose sono una serie di vedute di Parigi.

La madre era una ballerina dell'Opera, il padre un medico inglese. Fu tenente nella Marina Francese. Poi entrò nello studio dell'incisore Eugène Bléry. Dopo aver dimostrato di essere un abile copista, iniziò a fare lavori originali. Oltre alle ventidue acqueforti "sur Paris", per cui e' piu' noto, Meryon fece settantadue incisioni d'altro soggetto.
La profondità della sua immaginazione e la sorprendente maestria che ottenne quasi dall'inizio nei tecnicismi del suo mestiere furono apprezzate solo da pochi artisti, critici e intenditori, e stentava a vendere le sue acqueforti. Soffri' di allucinazioni e paranoie. Fu ricoverato a piu' riprese nel manicomio di Charenton, dove mori'.
Le sue acqueforti, dice Wikipedia, non sono semplici vedute di Parigi. Sono "vedute" solo nella misura in cui è compatibile con il loro essere allo stesso modo le visioni di un poeta e le composizioni di un artista.

 

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Forse. occorre riconoscerlo, ai nostri occhi l'opera di Meryon non appare di soverchio interesse. Tuttavia i prezzi delle sue acqueforti sono spesso stupefacenti: l'artista e' valutato moltissimo, ed anche se si puo' non sentirsi d'accordo, va comunque segnalato il fenomeno di questo incisore, che alle normali "tranquille" vedute di Parigi seppe misteriosamente estendere una particolare inquietudine proveniente dal fondo del suo stesso animo.

 

[Barlafuss]

Grazie Gino, non lo conoscevo

 

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Jules Pascin (riporto da Wikipedia così com'è)


Jules Mordecai Pincas, detto Jules Pascin, (Vidin, 31 marzo 1885 – Parigi, 2 giugno 1930), è stato un pittore bulgaro.

Pascin studiò l'arte del disegno all'Académie Colarossi. Come il suo contemporaneo, Henri de Toulouse-Lautrec, ha disegnato il paesaggio nei dintorni ed i suoi amici, sia uomini che donne, come soggetti per i suoi dipinti. Malgrado il vizio della frequentazione di varie feste, Pascin ha generato migliaia di dipinti ad acquerello e degli abbozzi, più le illustrazioni e le caricature che ha venduto a vari giornali e riviste. Pascin desiderava stare bene, ma in un momento della sua vita è stato profondamente depresso per l'incapacità di ottenere il successo critico con i suoi sforzi.

Si suicidò alla vigilia di un'esposizione prestigiosa dei suoi quadri e, il giorno del suo funerale, tutte le gallerie di Parigi chiusero in segno di lutto.

 

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Di Pascin s'era parlato, mi pare, a proposito del pittore italiano Giovanni Romagnoli, che ne riprese, non so quanto consciamente, i modi.

Ancora Pascin. Questa (la prima) ha fatto 50.000 euro da qualche parte Era famoso per la sottile ed estenuata sensualità che sapeva mettere nelle figure delle sue donnine. Forse oggi è giustamente ridimensionato, ma non è il caso di esagerare . Storicamente fu un protagonista nella Parigi dei bon-vivants e dei grandi artisti.

questo invece è Romagnoli Faenza, 1893 – 1976

" ... che ha i suoi riferimenti privilegiati nelle opere di Degas e di Renoir, giunge ad esiti più vicini a quella “metafisica del quotidiano” di Bonnard e di Vuillard dove la presa diretta del quotidiano viene affiancata da atmosfere di magica lontananza"
... ma secondo me lui Pascin lo conosceva bene ... per esempio, questa opera del Romagnoli qua sotto ...

 

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La sua vita fu abbastanza interessante, ne riporto una trad. automat. da On the south by Jules Pascin, 1916 | Print | Artsper (605967)

Jules Pascin è nato a Vidin, in Bulgaria, da padre ebreo spagnolo-sefardita e madre serbo-italiana. La sua prima formazione artistica fu a Vienna e Monaco. Adottò lo pseudonimo Pascin (un anagramma di Pincas) all'inizio del 1905, più o meno nello stesso periodo in cui iniziò a contribuire con disegni a Simplicissimus, una rivista satirica pubblicata a Monaco. Nel dicembre 1905 giunse a Parigi, entrando a far parte della grande migrazione della creatività artistica in quella città all'inizio del XX secolo. Nel 1907 Pascin incontrò Hermine Lionette Cartan David, anche lei pittrice, e divennero amanti, vivendo insieme fino a quando Pascin partì per l'America il 3 ottobre 1914. Hermine David rimase a Parigi con sua madre fino a quando, su richiesta di Pascin, anche lei salpò per l'America il 31 ottobre 1914.

Pascin visse negli Stati Uniti dal 1914 al 1920, resistendo alla prima guerra mondiale, e mentre era lì insegnò alla Telfair Academy di Savannah, in Georgia. Lui ed Hermine hanno dipinto a New York City così come a Miami, New Orleans e Cuba. Pascin ha sposato Hermine David al municipio di New York City. I testimoni erano Max Weber e Maurice Sterne, entrambi pittori residenti a New York e amici di Pascin. Pascin ottenne la cittadinanza americana, ma in Francia divenne il simbolo della comunità artistica di Montparnasse. Sempre con la sua bombetta, era una presenza spiritosa al Le Dôme Café, al Le Jockey Club e agli altri ritrovi della società bohémien della zona. Pascin fece visite in Bulgaria nel 1923/1924 e in una data successiva incerta.

Nonostante le continue feste, Pascin ha creato migliaia di acquerelli e schizzi, oltre a disegni e caricature che ha venduto a vari giornali e riviste. Ha studiato l'arte del disegno all'Académie Colarossi e, come Henri de Toulouse-Lautrec prima di lui, ha disegnato i suoi dintorni e i suoi amici, sia maschi che femmine, come soggetti. Voleva diventare un pittore serio, ma col tempo divenne profondamente depresso per la sua incapacità di raggiungere il successo critico con i suoi sforzi.

Durante gli anni '20, Pascin dipingeva per lo più fragili petites filles, prostitute in attesa di clienti o modelle in attesa della fine della seduta. I suoi dipinti resi fugacemente vendevano prontamente, ma i soldi che guadagnava furono spesi rapidamente. Famoso come ospite di numerose feste grandi e rumorose nel suo appartamento, ogni volta che veniva invitato a cena altrove arrivava con quante più bottiglie di vino poteva portare. Conduceva spesso un folto gruppo di amici durante i picnic estivi lungo il fiume Marna, le cui escursioni duravano tutto il pomeriggio. Secondo il suo biografo, Georges Charensol, "aveva appena scelto il suo tavolo al Dôme o al Sélect che sarebbe stato circondato da cinque o sei amici; alle nove, quando ci saremmo alzati per cena, saremmo stati in 20 tutto, e poi la sera, quando abbiamo deciso di salire a Montmartre da Charlotte Gardelle o da Princess Marfa - dove Pascin amava prendere il posto del batterista nella jazz band - ha dovuto provvedere a 10 taxi ".

Nella sua raccolta di memorie, Festa Mobile, Ernest Hemingway scrisse un capitolo intitolato With Pascin At the Dôme, raccontando una notte del 1923 in cui si era fermato a Le Dôme e aveva incontrato Pascin scortato da due modelli. La rappresentazione di Hemingway degli eventi di quella notte è considerata una delle immagini distintive di Montparnasse all'epoca.

Dietro il brio di Pascin si celava il terrore di una mente torturata. Soffrendo di depressione e alcolismo, "spinto al muro dalla sua stessa leggenda", secondo il critico d'arte Gaston Diehl, si è suicidato alla vigilia di una prestigiosa mostra personale tagliandosi i polsi e impiccandosi nel suo studio di Montmartre. Sul muro ha lasciato un messaggio scritto nel suo stesso sangue che diceva addio al suo amore perduto, Cecile (Lucy) Vidil Krohg. Nel suo testamento e testamento, Pascin lasciò la sua proprietà in egual modo alla sua amante, Lucy Krohg, ea sua moglie, Hermine David.

Il giorno del funerale di Pascin, il 7 giugno 1930, tutte le gallerie di Parigi chiusero. Migliaia di conoscenti della comunità artistica insieme a dozzine di camerieri e baristi dei ristoranti e dei saloon che aveva frequentato, tutti vestiti di nero, hanno camminato dietro la sua bara per tre miglia dal suo studio al 36 boulevard de Clichy al Cimetière de Saint-Ouen . Un anno dopo, Pascin, sepolto sotto il suo vero nome di Pincas, fu trasferito nella più prestigiosa Cimetière de Montparnasse.

 

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Toyen 1902–1980

Pittrice di origine ceca (Marie Čermínová), fondò il gruppo surrealista ceco.
Spargeva molto mistero sulle sue origini e sulla propria sessualità: lesbica, bisessuale, transgender, non è chiaro, comunque uno spirito libero.
Le sue illustrazioni riportano tutto quel mondo fatto di erotismo a molti livelli e dimensioni. Fu comunque la donna che più erotizzò la figura maschile nei suoi lavori,

Parigi, con i suoi eccessi e le sue libertà, fu il suo porto più sicuro. Sebbene Rosa Bonheur fosse stata obbligata a ottenere un permesso per indossare i pantaloni, il travestimento non era raro per le donne delle generazioni successive, e alla fine del diciannovesimo secolo ci sono prove considerevoli di gruppi e locali lesbici aperti. In Nanà di Zola non mancano descrizioni di rapporti lesbici, ed è riportata l’esistenza di locali dedicati nella Parigi di fine 800.
La bisessuale Tamara de Lempicka si trasferì a Montparnasse nel 1920. L'artista danese Gerda Wegener, , la prima destinataria del cambio di sesso da uomo a donna nota per le sue illustrazioni erotiche a tema prevalentemente lesbico, visse anche a Parigi negli anni '20.

Tamara de Lempicka usciva spesso alle feste e ai club fino a mezzanotte, dove prendeva cocaina e flirtava pesantemente con partner di ballo di entrambi i sessi, e poi, dando l'impressione che stesse tornando a casa da suo marito e sua figlia, faceva 'incursioni in baracche particolari che punteggiavano la riva della Senna. '' In questi club che attiravano un misto di marinai, studenti maschi e femmine e occasionali donne di società, partecipava a sesso di gruppo con marinai e giovani donne. Il fatto che alcuni degli schizzi erotici di Toyen di questo periodo raffigurino marinai suggerisce che anche lei potrebbe essersi avventurata in questi luoghi di ritrovo. Potrebbe anche, come Anaïs Nin, aver esplorato i bordelli di Parigi, da sola o con il poeta e artista Jindřich Štyrský.
Magari non può essere proposta come "grande artista", ma fu un personaggio (ehm, non dovrei usare il termine, ma qui dà l'idea) che partecipò vivamente alla sua epoca ed ebbe un ruolo storico, facendo anche parte della cerchia di André Breton.

 

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(Da Wikipedia, con inserti personali)

Jules Chéret (Parigi, 1º giugno 1836 – Nizza, 23 settembre 1932) è stato un pubblicitario e pittore francese.

È il padre del manifesto moderno. Nell'arco della sua carriera arrivò a realizzare oltre un migliaio di cartelloni pubblicitari. I soggetti femminili furono tra i suoi prediletti e impiegò con particolare abilità la tecnica della litografia. Fu un grande estimatore di Giambattista Tiepolo, Antoine Watteau e William Turner. Di ciò si può trovar traccia nei suoi lavori, dove la grazia delle pose è spesso un po' manierata.

Chéret è considerato il padre del manifesto moderno per vari motivi:

• perché fu tra i primi a comprendere l'importanza dell'immagine a scapito del testo per un medium quale il manifesto, che doveva essere appeso in luoghi di passaggio e aveva quindi, di solito, pochissimo tempo a disposizione per essere letto;
• perché riuscì a portare la tecnica della litografia da un livello artigianale ad uno artistico, in particolare fu tra i primi a puntare sulla cromolitografia, e quindi sul colore, come tecnica per realizzare i propri lavori;
• ma anche per il fatto che protagonisti dei suoi manifesti furono le figure femminili, le cosiddette Chérettes (proprio perché caratteristiche di Cherét), e che possono essere considerate le antenate delle attuali modelle della pubblicità.

La conoscenza con una famiglia di clown lo porta ad interessarsi a questo mondo di teatro, finzione, travestimenti. Inizia a creare manifesti, e lavora per il noto profumiere Rimmel, che lo aiutò ad aprire una propria stamperia.
Se da un lato il suo manifesto ricorda a tratti le illustrazioni dei libri per bambini o la satira inglese dell'epoca, dall'altro presenta però molte di quelle che rimarranno componenti caratterizzanti i lavori di Chéret: il turbinio dei ballerini, i sorrisi ghignanti dei soggetti maschili, la bellezza e la leggiadria dei soggetti femminili, gli gnomi barbuti e i bimbi travestiti, ma più in generale la presenza di "figure chiave", cioè elementi simbolicamente rappresentativi, che andranno poi a delinearsi e ad acquistare sempre più importanza nelle opere successive.
Un altro degli elementi caratteristici di Chéret fu l'umorismo.

Chéret arriverà successivamente al ribaltamento del canone allora vigente per quanto riguarda la composizione dei cartelloni pubblicitari. Se fino all'epoca i manifesti erano perlopiù costituiti da testi scritti, arricchiti da decorazioni e talvolta da qualche immagine, in Chéret la parte figurativa acquista il ruolo di protagonista, sebbene egli non riuscirà mai a raggiungere una compiuta sintesi tra testo e immagine
Chéret credeva nel manifesto e nella sua forza come mezzo di comunicazione, e cercò, attraverso di esso, di rappresentare a pieno lo spirito del suo tempo. Considerò il manifesto come un'opera-prodotto in grado di conciliare valori estetici, sperimentazione tecnica ed efficacia pubblicitaria. Reputava i commercianti i suoi veri e competenti critici. Sosteneva che un manifesto doveva essere ben visibile; doveva sedurre al primo sguardo; doveva essere al contempo piacevole, in grado di catturare l'attenzione e in grado di far decidere; doveva avere la capacità di comunicare in un attimo ad un viandante che passava di fretta.

Il mondo di Chéret è quasi sempre ebbrezza, incanto, gioia di vivere, sogno, emozione, bellezza, sensualità, erotismo. Almeno in apparenza. Da questo punto di vista, però, non va dimenticato il fatto che si sta parlando di réclame. A Cherét si rivolsero, ad esempio, anche scrittori come Émile Zola[5] e artisti come Georges Seurat o Leonetto Cappiello per avere ben altre prospettive del mondo, sebbene egli non amasse molto i soggetti drammatici. E difatti questa produzione è decisamente minoritaria rispetto a quella che invece rappresenta "il lato bello della vita".

Nella storia della cromolitografia, il primo grande maestro è stato Jules Chéret. Egli portò questa tecnica dal livello sperimentale a quello di vera e propria forma d'arte. Chéret, infatti, non si limitò semplicemente a creare versioni colorate delle classiche litografie in bianco e nero, ma per primo riuscì a piegare il procedimento ai fini della resa pittorica.

Chéret riuscì ad ottenere effetti pittorici che fino ad allora erano considerati impraticabili con la tecnica della litografia a colori. Si capisce dunque come venissero considerati praticamente allo stesso livello sia Toulouse-LAUTREC che Chéret e anche il terzo grande della triade, Ibels. Credo che il grande pubblico italiano conosca solo il primo.

 

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Ancora di Chéret

 

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Questo raro specimen di Chéret sta nella mia collezione ... Riunisce due prove prima dell'inserimento della scritta.